由朝鮮血海歌劇團創排的歌劇《紅樓夢》最后一場在京演出昨晚落幕，而其帶給國內舞臺藝術創作的反思卻揮之不去。

　　這部取材自中國古典名著的歌劇，雖然是用大多數中國觀眾都聽不懂的韓語演唱，但這并沒有成為欣賞障礙。相反，它以強烈的藝術感染力，引領觀眾隨劇中人物的命運亦喜亦悲，潸然落淚。

　　越是民族的，就越是世界的——這句話說起來可能有些老套，但卻是藝術創作的一條真理。作為歌劇成功的關鍵因素之一，《紅樓夢》在音樂創作上便遵循了這一點，其旋律流暢、情緒飽滿，富于畫面感，很多段落聽起來頗似朝鮮民歌《阿里郎》和《道拉基》，于觀眾而言具有某種心理上的親近感。

　　中國曾經涌現出的《白毛女》、《洪湖赤衛隊》、《劉三姐》等經典民族歌劇，在音樂創作上也都是汲取了民族、民間音樂的營養，韻味獨特而貼近大眾。不過，現如今國內原創歌劇的創作，愈發呈現出一個趨勢，即無調性、無旋律的西洋現代作曲法“排擠”了接著地氣兒的“中國旋律”，結果作品離觀眾越來越遠。其實，無論是何風格、題材的歌劇作品，觀眾首先的訴求是音樂好聽。不入耳，焉入心？

　　藝術創作，只有跳脫出形式的羈絆，才會有更自由的空間和更大的可能性。這是歌劇《紅樓夢》帶來的第二點啟示。關于此，劇中演員不拘一格的演唱方式最有說服力。“寶玉”的民族唱法高亢嘹亮，“黛玉”介于民族與通俗之間的音調惹人憐惜，而“賈政”則是純正、醇厚的美聲男低音……他們打破了所謂的條條框框，只要通過唱腔能夠很好地塑造人物、表達情感，管他美聲、民族還是通俗，都是無關痛癢。

　　長期以來，國人似乎習慣了一定要將歌劇分成民族歌劇、西洋歌劇，同時一定要將美聲唱法分為高音、中音和低音，認為只有這樣才是“專業”。而在追隨西洋歌劇創作上，中國制作更是亦步亦趨，一定要掰著指頭算：詠嘆調夠不夠？宣敘調有沒有？合唱少不少？殊不知，嚴格依照西洋歌劇語匯進行創作，有時未必能夠贏得本國觀眾，因為聽得慣“四聲”的中國聽眾，其實聽不慣那些古怪而別扭的宣敘調，與其堅持“一洋到底”，倒不如穿插對白更好。

　　一部好劇能夠托出明星，而好演員則能使一部劇更加出彩，這是藝術作品的二度創作問題，也是歌劇《紅樓夢》帶來的第三點啟示。劇中演員基本都是“80后”，他們年輕但不漂浮，壓得住臺，自始至終充滿著令人動容的激情和爆發力。他們那種全身心的投入感，讓人物出色，讓舞臺生輝。尤其是最后一幕“黛玉靈堂”，悲痛欲絕的寶玉跪倒在黛玉靈位前，一聲長達十幾秒鐘的凄厲悲號，痛徹心肺、感天動地，觀眾席間立聞聲聲啜泣。

　　這些“80后”的表現，讓人看到了國內一些炫耀聲樂技巧、有歌無戲、游離于角色之外的歌劇演員們在藝術功底上的差距。國內歌劇表演領域還存在一個問題：能唱的不能演，能演的不能唱，演、唱俱佳的優秀演員少之又少。

　　歌劇《紅樓夢》帶來的第四點啟示，是對待藝術的真誠與敬業。劇中演員的衣著是由中國捐助，看起來陳舊而土氣，但這并不影響人物角色的光彩。長達3個多小時的演出，歌劇《紅樓夢》換景次數之多、時間之快讓人驚嘆。而很少有人知道，如此浩大的換景工程并非由先進的舞臺機械或高科技手段完成，而是完全憑借演職人員的雙手。

　　應該說，國內舞臺藝術創作的物質條件較之朝鮮藝術家可謂優越，不過很多時候在藝術創作的態度上卻是難以比肩的。朝鮮歷時50載打磨一部歌劇《紅樓夢》，并能俘獲異國觀眾的心，彰顯出的是對這部作品藝術精髓的參透，以及對經典的敬畏之心。反觀國內，對經典的重新演繹，不乏一味迎合大眾文化，嘩眾取寵、誤導觀眾之作，不乏“借故事演歌舞”而非“以歌舞演故事”的形式淹沒內容之作；更不乏頂著“大制作”、“大場面”、“大氣派”實則沽名釣譽的燒錢之作……其表現出的，除了創作心態的喧囂浮躁與急功近利，還有什么呢？

    李紅艷